Lorsque débute la création d’une oeuvre vidéoludique, les membres du studio concerné n’ont aucune idée de ce à quoi elle va ressembler. Leur visibilité se limite tout au plus à quelques images mentales et à la formulation d’une intention créative. Mais alors, comment et où s’opère la métamorphose d’une idée abstraite en un univers de jeu étendu ? De quelle manière encore s’assurer que l’ensemble des équipes d’une production oeuvre dans une seule et même direction ? Les réponses à ces questions nous incitent invariablement à considérer le rôle du concept artist qui, en l’espace de quelques décennies à peine, s’est imposé comme un acteur incontournable dans le paysage des industries culturelles contemporaines. Un acteur dont l’avant-poste le place au coeur de la fabrique des imaginaires.

Si les concept artists sont des designers généralistes qui mettent leurs compétences graphiques et leur imagination au service de l’industrie du divertissement, ils peuvent également choisir de se spécialiser. L’intitulé de leur métier révélera alors la nature de leur secteur d’expertise : concept artist d'environnement, character designer, prop artist, etc. Or, que sait-on réellement des besoins de production auxquels répond cette discipline de design ? Les objectifs et méthodes des concept artists sont-ils partagés d’une spécialisation à une autre ? Présenter le concept art d’environnement et le character design permettra en outre de préciser les fonctions attribuées aux images conceptuelles. Un propos agrémenté par les retours d’expérience de professionnels qui détaillent leurs processus de création graphique.

Explorer, imager, traduire, dessiner, itérer, construire. Autant de mots qui qualifient l’activité quotidienne d’un concept artist de jeu vidéo. De manière à clarifier les étapes de design traversées par tout professionnel de la discipline, mais aussi la façon dont le concept artist procède pour servir une direction artistique de projet, illustrons par l’exemple à travers le récit de conception de Child of Light (2014). Ce conte de fées interactif, développé par le studio Ubisoft Montréal, arbore une esthétique singulière qui a engendré d’importants défis plastiques et techniques pour ses équipes de production. Le style aquarelliste est en effet inspiré par les artistes de l’âge d’or de l’illustration du XIXe siècle, tandis que les concept arts du jeu sont restitués à l’écran pour préserver l’authenticité de la touche picturale. Pour comprendre l’origine de l’intention créative et les étapes de design de cette oeuvre contemporaine, une plongée au coeur de la fabrique d’images s’impose.

Il serait impossible d’étudier le concept art de jeu vidéo sans prendre en compte la diversité des cadres de production dans lesquels il s’insère. Bien comprendre le design d’un jeu suppose en effet de connaître le profil de ses dessinateurs, les outils et méthodes de conception utilisés, le temps alloué à sa fabrication ou encore la philosophie créative du studio qui l’a vu naître. Comment le concept art est-il employé dans la création contemporaine pour mettre en place une direction artistique unique ? Qui sont ces concept artists du jeu vidéo français capables de forger de nouveaux imaginaires ? La parole est donc donnée ici aux artistes de l’industrie vidéoludique française. À travers dix entretiens exclusifs, ils vous guideront sur les rives de la conception de dix oeuvres marquantes par l’originalité de leurs propositions.

Entretiens exclusifs avec 10 studios français : Dontnod • Asobo Studio • Magic Design • DigixArt • The Game Bakers • Nova-box • Lizardcube • Motion Twin • Spiders • Un Je Ne Sais Quoi